La Fuente de Duchamp. En Nueva York se había fundado en 1916 la Society of Independent Artists, basada en la francesa Société des Artistes Indépendants, cuyo propósito era organizar exposiciones bajo el lema “Sin jurado ni premios”. La primera exposición de esta Sociedad se celebró en abril de 1917 y buscaba ser una copia del Salón Parisino de Artistas Independientes de 1916, cualquier artista podría exponer, sólo necesitaba enviar su obra y pagar los seis dólares exigidos. Se expusieron más de 2.000 obras, convirtiéndose en la mayor de la historia de Estados Unidos hasta el momento. Marcel Duchamp pertenecía al comité organizador y quiso participar bajo seudónimo, una semana antes había comprado junto con Walter Arensberg y Joseph Stella un urinario de porcelana, modelo Bedfordshire, de fondo plano; se lo llevó a su estudio, lo giró 90 grados y pintó con grandes letras negras el nombre de R. MUTT acompañado de la fecha, 1917, en su reborde inferior izquierdo; lo presentó a la exposición con el título de Fountain (Fuente). El urinario no fue expuesto y ni siquiera apareció en el catálogo, como no podían rechazarlo, porque ya se habían recibido los seis dólares, decidieron ocultarlo detrás de un tabique. Duchamp recuperó la obra después de la exposición y se la quedó Arensberg; ambos dimitieron de la junta directiva de la Sociedad. La obra pudo verse por última vez en la Galería 291, donde Alfred Stieglitz la fotografió para la posteridad, su fotografía apareció en la revista “The blind man” en mayo de 1917 junto con un texto atribuido al propio Duchamp titulado “El caso Richard Mutt” y que fue el origen de la leyenda de la obra que no había sido expuesta y que además nunca apareció. En la década de los 60 se realizaron unas réplicas por encargo de Duchamp, quince de las cuales están expuestas en diferentes museos. Fuente es un hito fundamental en el arte del siglo XX, un readymade que cambió la Historia del Arte.

Nace un nuevo Museo dedicado a Camille Claudel. De esta forma sale de la sombra de Auguste Rodin, que fue su maestro y amante, y su obra cobra  la identidad propia que merece. El Musée Camille Claudel está emplazado en la comuna francesa de Nogent-sur-Seine, a unos cien kilómetros al este de París, localidad de apenas seis mil habitantes en la que Camille Claudel vivió entre 1876 y 1881. El Ayuntamiento de la localidad adquirió esta casa, que estaba en estado de semi abandono, y le adosó un edificio para crear este Museo de 2.500 metros cuadrados en el que se albergan 43 obras firmadas por Claudel, casi la mitad de su producción conocida y que lo convierten en el depositario de la mayor colección de la artista en el mundo. A Camille le atrajo la escultura desde su infancia, no pudo ingresar en la Escuela de Bellas Artes de París porque no admitió mujeres hasta 1896, así que se formó en la privada Académie Colarussi. Conoció a Rodin, con el que trabajó y posó en su taller y del que se hizo amante, relación que se rompió en 1892 aunque siguieron manteniendo relación profesional hasta 1898. Tras diversas crisis, en 1913 Camille es internada en un manicomio del que no saldría hasta su muerte en 1943. El tiempo, la historia y varias producciones cinematográficas han convertido a Camille Claudel en un icono de la mujer en el Arte.

Mujeres artistas en el MoMA. Es una exposición de arte abstracto de posguerra creado por mujeres en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, la podremos visitar hasta el próximo 13 de agosto y lleva por título “Making Space: Women Artists and Postwar Abstraction”; cerca de cien obras de más de cincuenta artistas con disciplinas tan dispares como la pintura, fotografía, dibujo, escultura, textil o cerámica que abarcan el periodo de final de la II Guerra Mundial en 1945 hasta los comienzos del movimiento Feminista a finales de los 60; creaciones de mujeres que en un mundo de arte dominado por el género masculino reivindicaban un hueco propio, difícil de conseguir y más si estaba casadas con artistas, como es el caso de Lee Krasner, que sólo tras la muerte de su marido, Jackson Pollock, consiguió hacerse con un nombre propio.

50 años de la despenalización de la homosexualidad en Inglaterra se celebran con arte. La homosexualidad dejó de ser un delito castigado penalmente en Inglaterra en 1967. Por un lado, la Tate Britain de Londres lo recuerda con la exposición “Queer British Art 1861-1967” (Arte británico gay) que explora los cien años que pasaron entre la derogación de la pena de muerte por sodomía y la despenalización de la homosexualidad, y se presenta como “la primera gran exposición dedicada al arte británico gay” (o “queer”); incluye obras de Francis Bacon, David Hockney, Gluck, Cecil Beaton, Simeon Solomon y Henry Scott Tuke, entre otros; también está el cuadro que el pintor estadounidense Robert Goodloe Harper Pennington hizo del escritor Oscar Wilde en 1881, como regalo de bodas, y que se exhibe por primera vez en el Reino Unido, y a su lado la puerta de la celda del presidio en el que Wilde pasó dos años condenado a trabajos forzados por delitos homosexuales. También lo rememora la National Portrait Gallery de Londres con “Marlene Dumas: Oscar Wilde and Bosie” con un par de retratos que la artista realizó de la pareja de amantes homosexuales Oscar Wilde y el noble Lord Alfred Bruce Douglas, más conocido como Bosie. Marlene Dumas (1953) es una artista sudafricana afincada en Holanda que en 2008 fue la artista viva más cotizada cuando su cuadro “The Visitor” se subastó por más de cuatro millones de euros.

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